Revista Digital de cine

Pagafantas

2009-07-14T16:26:00.002+02:00

Pagafantas, película dirigida por Borja Cobeaga (Vaya Semanita – Éramos pocos) protagonizada por Gorka Otxoa (Chema) y por Sabrina Garciarena (Claudia), cuenta la historia de Chema, un joven vasco que se ve envuelto en problemas cuando conoce a Claudia, una linda argentina de la que se enamora. Los problemas nacen del hecho de que él se enamora completamente de ella, sueña con mantener relaciones sexuales con ella y vivir juntos, no obstante Claudia lo ve como su mejor amigo, como un hermano, situación incompatible con el sexo. (Nos podríamos preguntar, porque no queda claro en el film, si es una situación típicamente vasca, como me inclino a pensar, o que se reproduce por toda la geografía española.)
Podría considerarse una gamberra comedia al estilo de las americanas American Pie, o Supersalidos, pero de realización española (¿o podría inscribirse en cine vasco?), poniendo en escena a un personaje más ridículo incluso que el “Folla tartas” de Pie, que se convierte, sin quererlo, en el mejor amigo de la chica que le gusta, provocando hilarantes situaciones, muchas de ellas alocadas y disparatadas, pero que no salen de tono visto que Claudia y Chema se conocen en un contenedor de basura. Mención especial además para la Señora Begoña, personaje que parece haber salido directamente de una película de Alex de la Iglesia, dando un toque de humor maravilloso.
Hay, a mi modo de ver, tres factores sobresalientes en esta película, el primero es la constatación de que la desgracia ajena hace reír, por mucha vergüenza ajena que nos haga sentir; la segunda es que, todo hombre, se sentirá identificado con el personaje en alguna de las situaciones que le ocurren. ¿Quién no ha dormido nunca al lado de una amiga preguntándose si tocarle una teta con el codo era una actitud de mal amigo? La tercera trata de la lengua española, de tres términos que, vaticino, de aquí a algunos años serán de uso tan corriente que José Luís Borau podría haberse referido a ellos en su divertidísimo discurso de presentación en la R.A.E. La película los explica con divertidas escenas de “documental soviético”, son las acciones denominadas la Cobra, el Koala y el Lémur.
Además es una película de corta duración, ni siquiera llega a la hora y media, lo que mantiene un alto nivel de carcajadas durante todo el metraje que, bien lo vio Cobeaga, no necesitaba ser más largo. Ningún ser humano como Chema podría haber sufrido una tal agonía de más de hora y media.
Como último comentario diré a su favor que viéndola en el cine perdí ciertos diálogos porque tanto mis carcajadas como las de los demás espectadores las tapaban. Película muy recomendable.

Director: Borja Cobeaga

Intérpretes: Gorka Otxoa, Sabrina Garciarena, Julián López, Óscar Ladoire, Kiti Manver

El Lector (2008)

2009-06-19T15:25:00.001+02:00

Pasado negro

La cosecha cinematográfica del cine comercial norteamericano en 2008 fue excepcionalmente buena. Entre las películas mas destacadas se encuentra El Lector de Stephen Daldry, basada en una novela homónima de Bernhard Schlink, que obtuvo un tibio recibimiento de crítica y un relativo éxito de publico, entre otras cosas gracias a una eficaz y algo engañosa campaña de marketing. No podía ser menos estando por medio Harvey Weinstein.

El lector no trata de la relaciones eróticas entre un adolescente y una mujer madura. Tampoco de las responsabilidades del holocausto nazi. El lector trata del amor a alguien que un día descubres que tiene un pasado negro, un lado oscuro, un secreto inconfesable, que lo hace monstruoso y vulnerable a la vez.

Este enfoque explica que el núcleo narrativo de la película gire alrededor de las secuencias del juicio a Hanna Schmitz (Kate Winslet, Oscar a la mejor interpretación femenina de 2009). El protagonista asiste al juicio primero asombrado, luego indignado, mas tarde con dudas y finalmente comprensivo. Ana, en una interpretación muy dosificada de Kate Winslet, asume su culpa, acepta la sentencia e implora el perdón de quién la amó. Y todo con la mirada como eje fundamental.

Desde esta perspectiva tiene pleno sentido la secuencia en la que Michael Berg ( Ralph Fiennes) lleva a su hija a la tumba de Hanna y que, por cierto, no se encuentra en la novela. El también tiene un secreto que compartir, que explica su comportamiento y tristeza ( el de alguien que sólo fue feliz durante un fugaz periodo de su vida) y subraya unos de las ideas clave de la película: los hijos sólo son responsables de sus propias culpas pero no de los pecados de sus padres. Sin embargo, ciertamente, los recuerdos del horror siempre les han perseguido. Por eso nos encontramos ahora ante una generación que, con mayor o menor acierto, esta intentando indagar en lo que realmente sucedió, sus razones y motivos ( Good de Amorim; El libro negro de Verhoeven o La ola de Gansel). Y no busca respuestas simples. La vida es compleja y poliédrica. Presumiblemente, después de este rodeo vuelvan a los primeros clásicos: Erich Fromm, Carl Jung, Elias Canetti o Hannah Arendt.

La película habla también de la fascinación de la literatura. La literatura como una herramienta que nos ayuda a comprender el mundo y la naturaleza humana. En otras palabras, como nos recordaba recientemente Antonio Muñoz Molina, nos contamos historias para seguir viviendo ( y soñando). Nos quedamos – y enternecemos un poco con las reacciones de Hanna con El amante de Lady Chatterley o Las aventuras de Tintín. Y entendemos los esfuerzos de Hanna por aprender a leer como una manera de aproximación a quién amo y a quién causó sufrimiento.

Todos estos conflictos se representan e integran en la acción de la película, excepto quizás el del perdón y la reconciliación que esta meramente enunciado en una de las secuencias finales entre Michael Berg ( Ralph Fiennes) y e Ilana ( Lena Olin).

Impecables el diseño de producción, la ambientación, la fotografía. Algo razonable cuando se trata de una película que contaba con productores como Sydney Pollack y Anthony Minghella.

El espectador actual ya esta habituado a estructuras temporales complejas. Por eso, el planteamiento temporal de la película responde a una solución de guión cinematográfico eficaz pero paradójicamente resulta mas convencional que la estructura lineal de la propia novela. La historia de Hanna requería un poco mas de osadía y atrevimiento.

Director: Stephen Daldry
Producción: Mirage Enterprises, Neute Balbelsberg Film, The Weisntein Company
Productores ejecutivos: Anthony Minghella, Sydney Pollack, Donna Gigloitti, R. Morris
Guión: David Hare
Fotografía: Cris Menges, Roger Deakins
Música: Nico Muhly
Interpretes: Hanna ( Kate Winslet) , Michael Berg ( Ralph Fiennes), Michel Berg (David Kross de joven); Ilana (Lena Olin); Profesor Rohl ( Bruno Ganz)

El curioso caso de Benjamin Button

2009-05-22T13:48:00.003+02:00

Sostiene Colin Rameaux que la mejor adaptación cinematográfica de una novela es Apocalypse Now basada en “El corazón de las tinieblas” de Joseph Conrad.

A partir de ahora este puesto en el ranking de mejores adaptaciones lo tendrá que compartir con “El curioso caso de Benjamín Button”, película de David Fincher basada en un cuento homónimo de Scoot Fitzgerald.

El hallazgo de ambas versiones está en saber captar la esencia y el espíritu de la historia y abandonar la anécdota y su trama argumental.

En el caso de Apocalypse Now la esencia era la historia de unos hombres que surcan un río – en medio del horror- en busca de una leyenda cuya misteriosa vida y razones van descubriendo según avanza el argumento. Daba igual que esta historia trascurriera en El Congo de finales del XIX que en el Vietnam de los años 60 del siglo XX.

Con la película Fincher pasa algo parecido. El cuento de Scoot Fitzgerald esta basada en una excelente idea: un niño que nace viejo y que según avanza su vida va rejuveneciendo hasta morir siendo un bebé. Del cuento, en el film, sólo queda esta idea y alguna intuición. Por ejemplo, la relación del niño con el abuelo que aquí se sustituye, con notable impacto dramático, con su aprendizaje en el asilo de ancianos. Con gran simplicidad de recursos se introduce una de las ideas fuerza de la película: la importancia de aceptar al diferente, algo que hacen con mucha facilidad niños y ancianos. De los ancianos se dice que son como niños. Los niños tardan en adquirir la maldad de distinguir entre negros y blancos, entre grandes y enanos. Así se crió Benjamín Button. Así se forja un personaje.

Lo que en el cuento era pura anécdota intranscendente aquí se convierte en una historia romántica que nos habla con profundidad pero sin aburrir del paso del tiempo y del valor de las cosas que perdemos. Textualmente: “ Es normal que perdamos a la gente que queremos, ¿ como si no sabremos lo importante que fueron?”

La película esta llena de hallazgos de guión y técnicos.

Empecemos por los hallazgos de guión:

La película comienza con la historia de un relojero que construye un reloj para la estación de trenes de Nueva Orleáns cuyas manecillas giran hacia atrás, con la esperanza inútil de recuperar la vida de su hijo muerto en la primera guerra mundial. Esta historia tiene por objetivo- como el mismo Fincher ha explicado en alguna entrevista- hacer desde el primer momento creíble y natural la historia de un hombre que rejuvenece. A partir de aquí, el espectador aceptara sin oponerse, como verosímil, la historia de Benjanin Button.

El segundo hallazgo es la estructura del guión. La historia narrada en un diario escrito por el propio Button pero leída por su hija años después ante su madre moribunda. Este diario leído en 2005, mientras se avecina el Katrina, actúa otra vez reforzando la idea de la historia vivida hacia atrás. La historia contada por Button a su hija nos sitúa en el tiempo y proporciona un sentido más complejo a la historia. Un tiempo convulso, el siglo XX, que empieza con la Gran Guerra y acaba con la catástrofe del Katrina. Metáfora que así vista adquiere profundidad.

Ya hemos comentado como los primeros años de Button transcurren en un geriátrico. Desde el principio Button convive con la muerte. No tiene miedo a la muerte porque ha vivido en un hogar de viejos que aceptan que su futuro mas próximo es la muerte. Incorpora con naturalidad otro tema importante: la tolerancia entre diferentes. Button entre viejos, Button educado entre negros. Button con su primer amigo, un pigmeo llamado Ngunga Oti (Rampai Mohadi).

Las historias románticas. La primera entre Button (Brad Pitt) y Elisabeth Abbot (Tilda Swinton). Una historia de aprendizaje. Llena de misterio, emoción, atmósfera y ritmo interior. Una historia contada con muy pocos elementos. Y que acaba inesperadamente – casi la final de la película- con un ingenioso golpe de humor. Algo propio de alguien (Fincher) acostumbrado a lidiar con spots publicitarios.

La segunda, entre Button y Daisy ( Cate Blanchet) , una historia de amor de dos personas separadas por el tiempo, al estilo de las mejores películas románticas (Un sueño de amor eterno, Henry Hathaway, 1935). Una historia que nos recuerda la importancia de disfrutar de cada instante por fugaz y pasajero.

Entrañable el momento en el que Button ya bebé muere en los brazos de Daisy. Ahora sí esto remite al mejor Scoot Fitzgerald. Recordemos el final del cuento: ”Después todo se tornó oscuro, y su cuna blanca y los confusos rostros que se movían sobre él, y el tibio y dulce aroma de la leche se borraron por completo de su mente”. Plano con los ojos del bebé Button cerrándose. Fincher capaz de transformar en imágenes el talento literario de Scout Fitzgerald.

Un ultimo comentario. La técnica digital puesta al servicio de la historia. Algo que nos está acostumbrado a ofrecernos el cine contemporáneo.

Director: David Fincher
Producción: Kennedy/Marshall Company; Warner Bros; Paramount Pictures
Productores ejecutivos: Frank Marshall; Kathleen Kennedy, Ceán Chaffin
Diseño artístico: Donald Graham. Burt; Viata Z. Zoito
Guión: Eric Roth
Fotografía: Claudio Miranda
Música: Alexandre Desplat
Intérpretes: Brat Pitt (Benjamin Button); Cate Blanchet (Daisy); Tilda Swinton (Elizabeth Abbot); Toray P. Hansen ( Quennie)

Gran Torino (2009)

2009-04-12T17:59:00.002+02:00

Gran Torino es un puro Clint Eastwood. El actor, director, productor e incluso cantante, consciente de que ya no es un joven capaz de enamorar a cualquier muchacha (¡Qué lejos quedan los puentes de Madison!) realiza con este film un Harry el Sucio de la tercera edad que comienza a ver ya de cerca su final.

La película comienza mientras Clint celebra el funeral de su esposa junto a sus dos hijos que no lo comprenden (y a los que no comprende), sus vecinos, unos "putos amarillos" celebran el nacimiento de un bebé. He ahí el paradigma mismo de la película. El es un hombre viejo de la antigua escuela rodeado de jóvenes a los que no comprende -ni, al principio, quiere comprender -aunque a lo largo del metraje, gracias a su relación con los Hmond, se abre un poco a ellos y consigue redimirse, encontrar la paz tras años atormentados de guerra. Consigue, al fin, encontrar un sentido a su vida, ayudar a esos jóvenes a los que no comprende y a los que desprecia y que, no obstante, son como dibieran de haber sido los suyos, capaces de ayudar a una mujer con las bolsas de la compra.

Clint Eastwood sabe bien como contar una historia, lo ha demostrado en el pasado y vuelve a demostrarlo ahora con elegancia, simplizidad (que no simpleza) y sentido del humor. Consigue hacer llegar el mensaje -los mensajes mejor dicho -de su película.

Así pues sólo puedo recomendaros una y cien veces que veais esta película. No creo que sea recordada con los años como una gran obra maestra, pero sin duda si que marcará a aquellos que sepan verla con los buenos ojos.

VAKKIRIA (2008)

2009-02-20T17:24:00.002+01:00

VALKIRIA ( 2008)

Vakiria arrastra un triple problema de enfoque. El primero relacionado con el núcleo narrativo de la película. El segundo, con la naturaleza del héroe. El tercero, con la estética asumida por el film.

Valkiria, como tantas otras películas de trasfondo histórico, tiene un desenlace por todos conocido. El dúo Cruise/Singer se ha planteado la película como un thriller de suspense, allá donde no hay ningún suspense, y por ello se han hecho preguntas del tipo: ¿cómo se organizó el complot?¿cómo se planificó? ¿cómo se llevó a la practica?

La consecuencia es que ha salido un hibrido entre Superman ( recordar que Singer fue el director de Superman returns) y Ethan Hunt (agente de la trilogía de Misión imposible). Más les hubiera valido a sus responsables preguntarse por las razones que conducen a un grupo militar de elite a preparar un atentado contra Hitler, cuando la guerra ya estaba perdida y decidida.

Este enfoque, mas arriesgado, con muchas aristas, nos hubiera proporcionado respuestas mas atractivas para el espectador. Estaríamos muy lejos del héroe con aspiraciones democráticas que nos quiere presentar la película y mucho mas cerca de un héroe trágico que duda entre el deber y la (mala) conciencia. No hay, en este católico ferviente, rastros de culpa, ni asomo de arrepentimiento por los pecados cometidos.

Claus Von Stauffenberg, conde suabo de larga estirpe militar, pertenecía al circulo de Stefan George, maestro de un grupo de discípulos que defendían ideas de pangermanismo y renovación nacional, no muy alejadas del ideario doctrinario del nacionalsocialismo. Von Stauffenberg probablemente despreciaba a Hitler, pero no por nazi sino por cabo chusquero. Murió ejecutado reivindicando la Sagrada Alemania.

La trama fue urdida por un grupo de militares y una red civil con presencia testimonial en el film. La trama militar- en realidad muy amplia- queda prácticamente arrinconada por el excesivo protagonismo de Cruise/Stauffenberg. Lo que debiera haber sido un película coral, se queda en un mero ejercicio de narcisismo de su actor/productor ejecutivo. Enfoque que arruina la mejor idea del film. Los momentos de duda e indecisión que trascurren después del atentado, cuando todavía no saben si Hitler ha muerto.

El general Henning von Tresckow (Kenneth Branagh) desaparece rápidamente de escena. Tiempo suficiente, sin embargo, para que Branagh interprete con flema británica a un general alemán que va a recoger las botellas de cointreau llenas de explosivos tras un atentado frustrado. El cameo de Carice von Houten, como Nina, esposa de Stauffenberg, en un papel irrelevante dramáticamente, parece una broma pesada al recordar su compleja interpretación en El libro negro (2006) de Paul Verhoeven. Magnifica la construcción que realizan Bill Nighy y Tom Wlikinson como los generales Olbrich y, Friedrich Fromm respectivamente. . Se comen materialmente a Cruise en la pantalla y sus miradas y presencia logran trasmitir dudas, miedo, ambición, calculo y traición, Me queda, sin embargo, una pregunta: ¿es imposible encontrar un actor alemán para interpretar a un general nazi? O volvemos a lo de siempre. Otra vez, la historia contada por los vencedores.

Algunos momentos causan estupor y otros meramente risa. Cruise escuchando en un gramófono La Valkiria de Wagner. No digamos cuando se nos muestra a Cruise saludando brazo en alto con el muñón al aire. Carlos Saura- con mucho mas humor e ironía- ya lo había hecho en La prima Angélica (1973), con Fernando Delgado brazo escayolado en ristre.

A una película con mas de 80 millones de dólares de presupuesto hay que pedirle algo más que un buen diseño de producción El vestuario, los decorados, la ambientación, los escenarios recrean a la perfección el estereotipo y estética que el cine nos ha trasladado de la Alemania nazi y que fijó en la memoria colectiva Leni Rieffenstalh ( El triunfo de la voluntad, Olimpia) en la década de los treinta. Una fascinación que obvia lo trágico y oscuro de aquellos años. Resulta por tanto algo obscena la excitación que ha debido depararle a Tom Cruise disfrazarse de coronel de la Wehrmacht y ponerse un parche en el ojo Algo sólo comparable a la que debió sentir el Príncipe Enrique, hijo de los Príncipes de Gales, cuando se disfrazó de soldado de las SA.

Stauffenberg y el resto de conspiradores dio su vida por mantenerse en el poder y negociar una paz “digna”. No podemos olvidar que, en aquellos momentos, otros estaban en una resistencia, igual de arriesgada pero mucho mas honrosa.

Cruise/Singer ciertamente no han tenido la ambición de hacer una película sobre la resistencia alemana al nazismo, ni de llevar a la gran pantalla Les bienvellantes de Jonathan Littell (Gallimard, 2006). Sin embargo, se les podía exigir algo mas de rigor narrativo. La historia requería un guión con una estructura más compleja y un desarrollo psicológico del personaje más profundo.

Director: Bryan Singer
Producción: M-G-M y United Artist
Productores ejecutivos: Christopher Mcquarrie. Bryan Singer y Gilbert Adler
Diseño de producción: Lilly Klivert y Tom Meyer
Guión: Christopher Mcquarrie; Nathan Alexander
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Música: John Oltman
Interpretes: Claus von Stauffbenger (Tom Cruise) General Henning von Tresckow (Kenneth Branagh); Nina (Carice von Houten); General Friedrich Fromm (Tom Wilkinson); General Olbrich (Bill Nighy)

Dirty Ho (1979) Ho el sucio

2009-02-17T12:12:00.002+01:00

Dirty Ho (1979) es un clásico del cine de Kung-Fu, que gracias a Tarantino y a Kill Bill algunos hemos vuelto a descubrir. Dirty Ho es una película de los Shaw Brothers, dirigida por Lu Chia-liang y protagonizada por Gordon Liu, en la que su personaje tiene una tic, tocarse el bigote (el personaje de Gordon Liu en Kill Bill, Pai Mei, tiene un tic muy similar).
A pesar de ser una película cómica, los amantes del Kung-Fu se deleitarán con maravillosas coreografías y peleas extravagantes. Sólo por la escena de la cata de los nueve vinos toda la película merece ser vista. Pero no penséis que se trata de coreografías que a pesar de bellas, han sido vistas una y otra vez en la televisión. Nada más lejos de la realidad. Los enfrentamientos son espectacular y entretenidos, pero no siempre directos, pues en muchas de las peleas se trata de matar al otro mientras todos los demás piensan que hacen otra cosa (como catar vino u observar antigüedades). Por eso quien se espere la típica película de Kung Fu se llevará una grata sorpresa, ya que si son amantes de ese tipo de películas, esta la adorarán, y sin embargo no están realmente en su elemento está resultará mucha más entretenida que cualquier otra. No es un Bruce Lee.
Es todo un referente dentro del riquísimo mundo interior de esa productora maravillosa que fue los Shaw Brothers, una de esas películas, un clásico, que mejora con el tiempo y que poco a poco se va convirtiendo en imprescindible dentro del cine de Kung-Fu.
Es sin duda una de las mejores comedias de Kung Fu de todos los tiempos (con el permiso de Kungfusión (Stephen Chow, 2004), pero con un humor diferente, no tan pesado como en muchas películas de Kung Fu, no tan vulgar, no tan exagerado. No habrá peleas entre dedos meñiques (por dar un ejemplo de broma habitual de Kung Fu). Es un humor menos obvio, más paródico tal vez, como se ve en la escena de la pelea contra los cuatro tullidos, que como todas las demás, es profusa en movimientos geniales.
Es sin duda una película maravillosa, nos gusten o no este tipo de películas, peleas divinas, personajes profundos y con carisma, buenos diálogos… es, como ya he dicho, una película maravillosa, pero como he oído decir, al ver esta película “estamos tocando techo.” Una vez vista, otras muchas películas de artes marciales que antes nos parecían geniales empezarán a parecernos más mediocres.

Ficha técnica

Dirección: Lu Chia-liang
Reparto: Gordon Liu, Wong Yue, Lo Lieh, Johnny Wang
Guión: Ni Kuang
Producción: Mona Fong, Run Run Shaw
Distribución: Shaw Brothers

Primeras películas

2009-02-17T11:29:00.005+01:00

Hoy voy a hablar en un mismo artículo sobre varias películas. Las primeras son la trilogía gore del director Sam Raimi (Spiderman 1,2,3), The Evil Dead. Las dos otras son Bad Taste, y Brain Dead o Tu madre se ha comido a mi perro, las dos primeras películas del director neozelandés Peter Jackson (La trilogía del señor de los anillos).

¿Porqué hablar en un mismo artículo sobre diferentes películas de dos directores específicos? Merece un breve comentario. Tanto Sam Raimi como Peter Jackson son dos frikis reconocidos, uno quiso llevar al cine la trilogía de Tolkien, y el otro el comic de Marvel. Cada uno a su manera, pero ambos son frikis, y como tal, gustan de hacer cierto tipo de películas de horror, y es el caso de las películas ya nombradas, todas pertenecen al género gore, con algunas pequeñas especificaciones, gore terror en el caso de Sam Raimi, y Gore cómico en el caso de Peter Jackson.

Tanto The Evil Dead (1981), Posesión infernal en castellano, como sus secuelas Evil Dead 2: terroríficamente muertos, y El ejército de las tinieblas, la trilogía de Sam Raimi, tienen esa estética tan especial y tan atractiva de la serie B, con efectos especiales caseros hechos con plastilina, lo cual es una gozada de ver en vez de tanto píxel que hay en las películas actuales. Desde el principio el suspense es indudable, la pregunta que todo el mundo se hace es ¿quién morirá primero? ¿Cómo? En todas ellas, a juzgar por la presión que me ejercía mi compañera de ver películas gore (y gracias a Dios la que me descubrió estas tres perlas), hay un buena dosis de sustos y de miedo. Hay varias escenas y varias imágenes que se quedan grabadas en la mente de cualquier expectador, como la mujer violada por un árbol en la primera, la mano zombie de la segunda parte, o el espejo de agua (retomado años después por los hermanos Watchowski para Matrix) que hace de nexo entre ambas.

Ficha técnica:

Director: Sam Raimi
Producción Sam Raimi, Bruce Campbell, Robert Tapert
Guión: Sam Raimi
Efectos especiales: Bart Pierce
Reparto: Bruce Campbell, Ellen Sandweiss, Richard de Maninor, Betsy Baker, Theresa Tilly

Bad Taste (1987), es un film de culto dirigido por Peter Jackson, en la que unos extraterrestres asesinan a todo un pueblo para usar su carne para un restaurante de comida rápida intergaláctica. Es una película con encanto, rodada durante 4 años principalmente los fines de semana con un presupuesto de 10.000 dolares, en la que el propio director tiene dos papeles, y el resto de protagonistas son familiares o amigos. Es un film sin pretensiones de ningún tipo, sin una verdadera historia que contar, con una actuación ridícula de todos, tal vez hecha así adrede para enfatizar la sátira al gore, o simplemente por falta de talento. La película es una pura locura, y si se me permite la expresión, más que pura locura, me permitiría el lujo de decir directamente PUTA LOCURA, con un final apoteósico que incluye un bazooka, un sierra mecánica y mucha, mucha sangre, aunque no tanta como en su siguiente película, Brain Dead.

Ficha técnica

Dirección: Peter Jackson
Producción: Peter Jackson
Guión: Tony Hiles, Ken Hammon, Peter Jackson
Reparto: Terry Potter, Pete O’Herne, Craig Smith, Mike Minett, Peter Jackson, Doug Wren

Brain Dead, tu madre se ha comido a mi perro (1992) es la tercera película de Peter Jackson. Trata sobre un pobre muchacho y su novia que se ven envueltos entre una multitud de zombis carnívoros, fornicadores, y con sentimientos. A pesar de no ser ya de bajo presupuesto (3 millones de dolares), tiene la misma estética gore que sus películas anteriores, aunque con efectos más refinados. Es considerada una de las cinco películas más sangrientas de la historia del cine (¡¡mas de 300 litros de sangre falsa para una simple escena, apocalíptica, con el cortacésped y la batidora!!), sin olvidar por supuesto su aspecto cómico, con detalles hilarantes, como la leyenda del mono rata de la isla calavera (cf: ¿os suena de algo el nombre Isla Calavera?). Una película de culto, que a pesar de ser gore, no puede asustar, sino que hace reír. Un final apoteósico no recomendable para mujeres embarazadas ni para personas sensibles.

Ficha técnica

Dirección: Peter Jackson
Producción: Jim Booth, Kemie Selkirk
Reparto: Timothy Balme, Diana Peñalver, Elizabeth Moody, Ian Watkin

La pregunta que yo siempre me hago al ver alguna de estas tres películas es, ¿cómo es posible que los productores de Spiderman y de El Señor de los Anillos les permitiesen rodar las películas? Por supuesto, no me quejo, me parece una maravilla, pero me hace replantearme ciertas cosas el saber que el director de películas como Bad Taste y Tu madre se ha comido a mi perro tiene un Bafta y varios Oscars y Globos de oro entre otros.

Armageddon (1998)

2009-02-10T14:27:00.002+01:00

Cine, ¿el séptimo arte?
Al cine se le conoce comúnmente como el séptimo arte. Su más cercano pariente es la fotografía, sin duda, así como la música en menor medida, ya que el cine es una serie de fotografías que describen una acción con sonido. Pero podemos remontarnos hasta las pinturas prehistóricas como antecedentes artísticos del cine. El cine es el séptimo arte, ¿pero son las películas obras de arte?
Nadie duda que Picasso fuese un Artista, que sus obras fuesen Arte. Sin embargo, si yo pintase, a pesar de que la pintura es un arte, mis obras no serían Arte. Lo cual explicado así resulta obvio.
El cine también es una técnica. A diferencia de con el arte, con una obra técnica se repiten parámetros e ideas incesantemente y que, con la práctica, se van mejorando. Es como hacer alfarería. Cuántos más tarros de barro hagamos, mejor nos saldrán.

La crítica cinematográfica considera al cine como un producto necesariamente artístico, y por esa razón desprecian el cine puramente mercante.Sin embargo hay películas sin ninguna pretensión artística, y que sin embargo son PERFECTAS. Y soy consciente de que la palabra perfecta es muy gorda, pero es la que mejor se ajusta. Son películas con todos los ingredientes para hacerte pasar una tarde entretenida, divertida, repleta de emociones, sin necesidad de análisis profundos o teorías pretenciosas.

Es el caso de Armageddon (Michael Bay, 1998). El argumento es muy simple, un enorme asteroide, del tamaño del estado de Texas, se dirige hacia la Tierra, y el impacto provocaría una “destrucción total”. En la N.A.S.A. la única solución que se considera viable es la de enviar a Bruce Willis, un experto perforador, para que introduzca una bomba nuclear en su interior.
Sin embargo el tratamiento es perfecto. No es atrevido, ni moderno, pero es completamente efectivo. Con elementos básicos, pero muy bien utilizados, como La Última vasija de barro, se hace una película maravillosa.
Con el más convencional de los montajes alternos vemos al principio del filme a Harry (Bruce Willis), un petrolero tosco, rudo y terriblemente efectivo, comparado con la N.A.S.A. (cuyo jefe ese Billy Bob Thorton), superdotados, metódicos e impotentes ante el avance del asteroide.
Poco después Harry y su equipo (Ben Affleck, Steve Buscemi...), ya tienen el traje de astronauta y están listos para salvar al mundo. Hay una relación amorosa entre el empleado fetiche de Harry y su hija (Ben Affleck – Liv Tyler). Liv Tyler, como los dos hombres de su vida están en el espacio salvando al mundo y no tiene donde ir, se queda en Houston junto a Billy Bob Thorton llorando por la posible muerte de papá, o del novio, para recordarnos (con efectividad de hecho, pues a todos se nos escapará en el momento de la despedida una lagrimilla) el inmenso sacrificio que están llevando a cabo.
En la nave espacial hay un coronel muy riguroso que no comparte las ideas de Bruce Willis, por supuesto, lo que creará tensión en el interior de la nave (más tensión de la habitual cuando uno está volando hacia un asteroide que se dirige a la tierra) para hacerla explotar con una bomba nuclear.
No olvidemos por supuesto al cosmonauta ruso extravagante (Meter Stormare), que junto al genio petrolero (Steve Buscemi) cuentan chistes sin parar “Componentes rusos, componentes americanos. ¡Pero si todos los fabrican en Taiwán!”En el asteroide todo es tensión, momentos decisivos, la bomba que casi estalla, luego que no quiere estallar, la nave que va, que viene, que se estrella y que no, Ai! que me quedo sin oxígeno, una explosión por aquí y otra por allá. Montado todo con ritmo, con una música de Aerosmith (claro, que la hija actúa) trepidante, que no cerramos la boca porque no somos conscientes de que estamos boquiabiertos. Las tramas secundarias no aportan nada a la historia en sí, pero nos aportan mucho a nosotros, nos emocionan, como la del empleado de Harry que perdió a su mujer y a su hijo por perforar medio mundo, y que por supuesto antes de su posible muerte se despide de ellos ignorando las ordenes del juez y de la orden de alejamiento, y no diré que ocurre al final.

Creo que esto es casi todo lo que puedo decir. Defiendo esta película a sabiendas de que el hecho de defenderla no gustará a todos.
El último comentario que puedo hacer es sobre el hecho de que sea un poco una propaganda patriotera, con barras y estrellas por todos los lados, los yankis haciendo todo (sólo usan un satélite francés y a un cosmonauta ruso incrustado porque su estación espacial ha estallado en pedazos, y no por culpa del asteroide sino por no ser americana), todos los musulmanes escuchando al presidente estadounidense en la meca como si fuese Alá, etc. Es innegable, pero no es digno de críticas. Cuando en España se hagan películas así (España por poner un ejemplo), y se envíe a un perforador interpretado por Santiago Segura al asteroide para salvar al mundo, no me importará ver la bandera española ondear por todo el mundo y al presidente de turno, socialista o popular, hablar al mundo entero. Pero como Torrente vomitaría güisqui en su casco espacial y perdería la visibilidad, pues que lo interprete Bruce Willis, que lo hace genial, con sus barras y estrellas adosadas al brazo.
En definitiva, si queréis ver una película que os entretenga durante dos horas y media, con la que reiréis y lloraréis, os emocionaréis, si quereis disfrutar durante dos horas y media, más allá de pretensiones intelectuales, Armageddon es vuestra película.

Ficha técnica:
· Directr: Michael Bay
· Guión: Jonathan Hensleigh & Robert Pool
· Intérpretes: Bruce Willis, Billy Bob Thornton, Liv Tyler, Ben Affleck, Will Paton, Peter Stormare, Keith David, Steve Buscem, William Fichtner
· Producción: Jerry Bruckheimer
· Música: Aerosmith

RocknRolla (2008)

2009-02-05T16:11:00.002+01:00

Rocknrolla (2008)

(Archie: People ask the question... what's a RocknRolla? And I tell 'em - it's not about drums, drugs, and hospital drips, oh no. There's more there than that, my friend. We all like a bit of the good life - some the money, some the drugs, other the sex game, the glamour, or the fame. But a RocknRolla, oh, he's different. Why? Because a real RocknRolla wants the fucking lot.)

Guy Ritchie tenía cierto reconocimiento en los medios cinematográficos, antes de ser (ex)marido de Madonna. Había realizado dos películas – Lock & Stock (1998) y Snatch: cerdos y diamantes (2000)- bien recibidas por público y crítica. Era responsable de otras dos películas: una, Barridos por la marea ( 2003), considerada por muchos como una de las peores de la historia del cine; otra, recién estrenada en España, Revolver (2005), catalogada de transición. Y finalmente acaba de presentar, RocknRolla /2008), donde vuelve a un terreno familiar: Londres y el mundo del hampa.

Rochnrolla es una comedia de acción que nos cuenta la historia de Lenny Cole (Tom Wilkinson), gangster que domina el negocio inmobiliario de un nuevo Londres. Corren nuevos tiempos y Lenny ve amenazado su poder. Por un lado, por unos delincuentes de pequeña monta a los que mantiene intimidados: Por otro, por las nuevas mafias rusas, que vienen con los bolsillos llenos de dólares, encarnadas por Yuri Onovich (Karen Roden), un remedo de Román Abranóvich.

Para desarrollar la trama utiliza un MacGuffin (un cuadro robado que nunca llega a verse) y un “deux ex machina”, Stella (Thandie Newton), una contable ambiciosa (desde Casino Royale (2006) ya sabemos que las contables también tienen imaginación). Según avanza la película gana protagonismo un nuevo personaje – Johnny Quid ( Toby Kebbel)- hijastro de Lenny Cole- que hace de catalizador de todos los conflictos y que previsiblemente se convierta en el centro de una próxima entrega de la película,

Rocknrolla es divertida, tiene ritmo y buena música. Es un Tarantino (con guiño incluido en una secuencia de baile) romanizado, filtrado por 2000 años de historia y cultura. Los personajes – unos canallas reconocibles-- están tratados con ternura y su naturaleza y comportamientos son creíbles. Las relaciones que se establecen entre ellos no son artificiales, ni las secuencias de violencia gratuitas. Nos habla de asuntos cercanos: amistad, traición, venganza, ambición, corrupción. Con naturalidad, sin intimidarnos. Nos encontramos en las antípodas de Reservoir Dogs (1992)

RocknRolla es una película que siempre esta al borde del abismo- diálogos muy brillantes, personajes arquetipos- pero nunca llega a derrumbarse gracias a la excelentes interpretaciones de todos sus actores.

El reparto es excelente. Encabezado por Tom Wilkinson a quién desearías no cruzarte en su camino. Le crees perfectamente capaz de echarte a la pila de langostas sin ningún tipo de remordimiento. Fantástico Mark Frost como Archie, que ya le ganó la partida a DiCaprio en Red de mentiras (2008) y aquí tutea al mismísimo Wilkinson. Muy bien y creíble el resto del reparto, con un magnifico Gerard Buttler- a quién ya habíamos visto en 300 (2007)- como Uno-Dos, con una presencia física que consigue dotar de autenticidad a sus comportamientos y reacciones.

Londres, en plena transformación urbana, propicia para el pelotazo inmobiliario, brilla en los grandes escenarios de lujo y en las ruinas post industriales Las localizaciones están buscadas por alguien que conoce bien la ciudad y no por un turista accidental. Incluido un pequeño homenaje a Woddy Allen en una secuencia en un club de tenis.

El estilo es reconocible. Remite al Martin Scorsese de Malas Calles (1973). Mucho travelling, movimientos de cámara y una excelente banda musical - Lou Reed, The Clash, The Subways, etc.-, otra habilidad que comparte con Tarantino, que hace progresar la historia y nos acerca a los personajes. El montaje transmite energía y vitalidad, con todos sus personajes conscientes de vivir al limite, en la frontera entre la vida y la muerte. La película tiene algo de screwball: situaciones disparatadas resueltas con naturalidad. La factura es impecable. No podemos olvidar que cuenta en la producción con Joe Silver (ver Imágenes de Actualidad, enero 2009), responsable, entre otras, de Límite 48 horas (1982) y Depredador (1987).

El espíritu de la película se resume en la frase de Johnny Quid cuando dice que la vida se parece a una cajetilla de cigarrillos: por un lado, vende un mundo sofisticado y de lujo; por otro, te recuerda que inexorablemente mata.

Algún crítico (Carlos Boyero en El País) dice que es una película olvidable. Me parece difícil olvidar 114 minutos tan divertidos

- Director: Guy Ritchie
- Guión: Guy Ritchie
- Productores: Navid Mallhargey, Steve Richards, Joe Silver, Guy Ritchie
- Fotografía: David Higgs
- Montaje: James Herbert
- Música: Steve Isles
- Interpretes: Lenny Cole ( Tom Wilkinson); Gerard Buttler ( Uno-Dos): Stella (Thandie Newton); Archie ( Mark Strong); Johnny Quid (Tobby Kebbel) Yuri Onovich (Karel Roden)

Mi nombre es Harvey Milk (2009)

2009-01-19T12:09:00.003+01:00

Mi nombre es Harvey Milk (2009)
Gus Van Sant – un cineasta indie y vanguardista- se siente cómodo con el corsé de un guión ajeno. Ya lo demostró en El indomable Will. Hunting (1997), con guión de Ben Afflek y Matt Damon. Y ahora lo vuelve a corroborar con Mi nombre es Harvey Mik con guión de Dustin Lance Black.
La arquitectura de la película es convencional pero práctica. Se articula alrededor de los recuerdos grabados por Harvey Milk (Sean Peen) poco antes de ser asesinado. Nada muy original pero contribuye a dar perspectiva a la historia. El guión tiene además otros dos aciertos muy significativos.
El primero es no dar excesivo peso a la secuencia del asesinato. En ningún caso es el centro de la película. No hay thriller, ni suspense. Se trata, sin embargo, de una secuencia bien planificada y resuelta. Travellings por el pasillo del ayuntamiento, asesinato en off del alcalde Moscone (Victor Garber), plano final subjetivo de Harvey Milk mirando al edificio de la ópera donde se representa Tosca. Es el final de una historia y el principio de otra.
El segundo acierto del guión es no centrar tampoco la historia en la relaciones sentimentales del personaje. La película cuenta la lucha por la conquista de los derechos civiles de un colectivo marginado y eso es el centro del conflicto. El resto sirve para contextualizar y explicar el personaje. No se consigue, a mi juicio, el equilibrio- casi irreconciliable- entre el biopic y la película coral. Los compañeros y amigos de Harvey Milk no consiguen, en su mayoría, la entidad de personajes y algunos hubieran necesitado un tratamiento distinto, especialmente el interpretado muy exageradamente por Diego Luna. Nadie escucha su petición de auxilio (el silbato como metáfora, la casa llena de papeles anticipando su suicidio). Nadie tiene tiempo para llorarle.
La interpretación del resto del reparto es excelente, empezando por Sean Peen. La critica ha celebrado también a James Franco en el papel de Scott Smith, el gran amor de Harvey Milk. A mi juicio, magnifico el personaje de Dan White – rival político y finalmente asesino de Harvey Milk- interpretado por Josh Brolin. El actor refleja en sus relaciones con Milk sus sentimientos de desconcierto, miedo y ambición. En su mirada, y en su presencia corporal, se refleja el debate interior y pánico de confesar, ¡yo también soy gay¡ Las secuencias que comparten ambos, sobre todo las cotidianas, el bautizo del hijo de Dan White, las conversaciones delante del televisor, o el acercamiento de Dan White semi borracho a Harvey Milk donde intenta comunicar algo que finalmente no logra confesar, son convincentes y están llenas de tensión.
La incorporación de material de archivo (excelentes los del principio de la película con los arrestos por la policía de San Francisco de miembros del colectivo gay- con el rostro tapado-, también las fotos finales de los personajes reales comparadas con las de sus interpretes, recordándonos que estamos ante una historia real), el granulado de la película que nos acerca al documental, los movimientos cámara al hombro y el rodaje en los propios lugares donde se produjeron los hechos, contribuyen a dar sensación de verismo a la película. No deja de ser una recreación de ficción de un documental –The times of Harvey Milk- realizado en 1985 por Rob Epstein que ganó un Oscar. Algo que no debiera sorprender en un cineasta que recreó plano a plano Psicosis (Psycho, 1960), el film de Alfred Hitchcock.
La película nos recuerda que hay muchas formas de hacer política. La concepción de Hayvey Milk de considerar su lucha como un movimiento es propia de un líder visionario. Su concepción de hacer política en la calle, desde el barrio recuerda también los comienzos de Obama en Chicago. Sus alianzas con los sindicatos en la huelga de la cerveza Coor es una muestra más de las múltiples maneras- y alianzas a veces insospechadas- de política en acción. Interesante la aparición de un antecedente de Sarah Palin, 30 años antes, que nos recuerda que no hay nada nuevo bajo el sol y que siempre hay que estar atentos para no ceder un palmo del terreno ganado en relación a los derechos civiles
Gus Van Sant es heredero de la mejor tradición del cine civil norteamericano. De Frank Capra y King Vidor hasta Sydney Pollak. Harvey Milk tiene mucho - con algo menos de inocencia- de Juan Nadie (Meet John Doe, 1941). Entusiasmo, optimismo, vitalidad. Mi Nombre es Harvey Milk no es una obra maestra, ni probablemente pase a la historia canónica del cine, pero que no esta nada mal que el cine nos recuerde de vez en cuando que hay algo por lo que merece la pena luchar.

· Director: Gus Van Sant
· Guión: Dustin Lance Black
· Fotografía: Harris Savidea
· Montaje:Elliot Graham
· Interpretes: Harvey Milk ( Sean Peen); Dan White ( Josh Broslin); Scoot Smith ( James Franco); Jack Lira( Diego Luna),George Moscone ( Victor Garber)

Il Divo (2008)

2009-01-13T10:21:00.003+01:00

Il Divo (2008)
El cine italiano ha estrenado recientemente en España tres películas de hondo contenido político y social, Romanzo Criminale, Il Divo y Gomorra. Esta cosecha no es fruto de la casualidad. Es más bien el resultado de una herencia cultural ( Leonardo Sciacia) y cinematográfica ( Elio Petri, Marco Bellochio, Pontecorvo y muchos otros) y de la existencia de una industria capaz de dar soporte a las inquietudes de sus artistas.

Il Divo pertenece al genero de denuncia y agitación política. Hasta aquí nada que objetar. Es un genero tan licito como cualquier otro, siempre que se haga con dignidad. Y la película de Sorrentino es más que digna.

La puesta en escena -planificación, montaje, iluminación- responde a las necesidades de la historia. El escenario –Roma- no deja de remitir a Fellini. La interpretación esta a la altura de sus pretensiones. No sólo la de Toni Servillo en el papel de Andreotti, sino la del resto del reparto. Todas las secuencias en las que aparece la secretaria de Andreotti, la Sra. Enea (Piera Degli Esposti) respiran autenticidad. La reiteración de la frase “no se encorve Sr. Andreotti” y casi al final, cuando todo se ha precipitado y le reconoce “ me aburro” son momentos que dan cuerpo a una película. El Ministro de Economía, Paulo Cirino (Carlo Bucciroso) bailando en la fiesta del nombramiento de Andreotti como primer ministro o conspirando en el parlamento buscando apoyos para la elección de Andreotti como Presidente de la República se quedan grabados en la memoria del espectador. Por citar un último ejemplo. Cuando su amigo Franco Evangelista (Flavio Bucci) le confiesa a Andreotti que no le ha dado ni un momento de afecto y recibe la callada por respuesta se te hiela la sangre.

La música de Teho Teardo (con un uso intensivo de los instrumentos de viento) está perfectamente integrada en el desarrollo de la historia y las piezas seleccionadas de música clásica de Gabriel Fauré fusionada con Richi e Poveri o Vivaldi con Beth Orton ( ver entrevista Sorrentino en Fotogramas, diciembre 2008) son propias de profesionales que dominan su oficio. Integrar la música como un elemento más del drama creando “atmosfera”.

La película esta llena de frases ingeniosas que hacen sonreír por su ironía (humor e inteligencia siempre de la mano), aunque no acaben por hacer avanzar la historia. No me resisto a recordar algunas, recogidas a vuelapluma:”Cuando un sacerdote se acerca diciéndome que ha perdido la fe, le respondo con una frase de cinco palabras.¿cómo se llama la señora”. Otra: “Ya que no tengo imaginación, tengo un gran archivo”. Algo parecido – muy parecido- le oí confesar en un programa nocturno de radio a Alfonso Guerra cuando era Vicepresidente del Gobierno. De poco le sirvió. Otra más. Cuando un cura/confesor le reprocha que De Gasperi hablaba con Dios y él con los sacerdotes. Andreotti le responde sin titubear: “Los sacerdotes votan. Dios no”. O cuando recuerdan que le soltó a Juan XX III:” Santidad, usted no conoce el Vaticano”.Y así hasta la extenuación.

Hay otros momentos brillantes. Resaltemos aquellos que nos presentan a un personaje esencialmente solitario: Andreotti haciendo ejercicio en una bicicleta estática. Andreotti deslizandose por palacios y despachos. Andreotti paseando por Roma rodeado de guardaespaldas. Andreotti paseando enfervorizadamente por el pasillo. Andreotti con las agujas de acupuntura para paliar sus dolores de cabeza. O Andreotti viendo con su mujer un programa musical en televisión (otra vez una buena selección de la música).

Sin embargo – siempre tiene que haber un sin embargo- la película tiene lagunas que lastran su eficacia, la hacen fría y distante y la alejan del público. La convierten en un producto elitista. lo contrario de lo que pretende.

La primera. Suele ser una buena idea cinematográfica que un personaje ausente o con presencia ocasional sea el detonante de la tragedia. En esta historia hay muchos que juegan este papel pero sólo señalaremos dos: Aldo Moro y Toto Riina. La opción de no haber centrado la historia en ninguna de las dos relaciones resta profundidad al personaje, al que no llegamos a conocer en los verdaderos motivos de su conducta, mas que en la muy genérica idea de ambición de poder y vanidad. Por cierto, detalle perspicaz cuando Andreotti reconoce que lo que más le duele de su caída del olimpo es que le van a retirar del Circulo Musical. Nos quedamos- sin embargo- con la sensación de habernos perdido una gran película. Los secretos del secuestro y asesinato de Aldo Moro. O las relaciones entre la mafia y la Democracia Cristiana mas allá del simbólico beso entre Andreotti y Riina.

Cuando el director de un medio de comunicación le censura retóricamente sus crímenes - ¿es una casualidad...?-, Andreotti responde: “ No creo en las casualidades, creo en la justicia de Dios”. Mala solución pensar que Andreotti era un personaje que se creía un justiciero divino y no un instrumento de la mafia o de otros poderes mas terrenales (la logia P2). A estas alturas del siglo XXI no tiene sentido considerar el poder político y religioso como algo autónomo del poder económico. La frase “ es necesario hacer el mal papa perpetuar el bien”, que actúa como leiv - motiv de la película, acentúa esta visión.

Segunda. Sorrentino parece mas interesado por la denuncia que por la trama. Es lo que separa a Il Divo de, por ejemplo, Trece días de Roger Donaldson. La primera se basa en un concepto, una idea. La segunda en la tensión, el ritmo. Las dos hablan del ejercicio del poder, pero una es discursiva y la otra se centra en el conflicto. Sorrentino confunde- como muchos cineastas europeos- movimiento (de cámara) con ritmo. Se puede hacer cine basado en una idea abstracta pero bien urdido argumentalmente. Basta con recurrir, por ejemplo, a algunos clásicos literarios (europeos): Shakespeare, Kafka o Conrad. Por citar los más evidentes.

Tercera: Un detalle algo molesto. El subrayado. El asesinato de Salvo Rima y el montaje paralelo de la carrera de caballos. La azafata del avión mostrando las medidas de seguridad y enfatizando el plano con el rostro tapado con la mascarilla artificial. El coche sin poder abrirse parado en medio de la lluvia que impide a Andreotti dar su paseo habitual. El grupo de amigos demasiado mediocre. Los discursos/soliloquios de Andreotti ante la cámara o del sacerdote en el funeral de Rima. Queda, sin embargo, el mensaje – diáfano- de la Iglesia y la Democracia Cristiana (con mayúsculas, con nombres y apellidos) pactando con la mafia para que los comunistas del norte no llegarán al poder. De aquellos barros vinieron estos lodos (véase Berlusconi).

Dicho todo esto. Merece la pena pagar la entrada del cine. Reconcilia con el cine europeo ver películas comprometidas con su tiempo y realizadas con oficio, profesionalidad y nervio. Algo que aquí echamos mucho en falta. Y esto no es hablar por hablar. Valga una pregunta: ¿Por qué el cine español no ha sido capaz todavía de hacer un película sobre el 23 –F?

· Director: Paolo Sorrentino:
· Guón: Paolo Sorrentino con la colaboración de Giuseppe D¨Avanzi
· Fotografía: Luca Bigazzi
· Montaje: Cristiano Travaglioli
· Música: Teho Teardo
· Interpretes: Andreotti ( Toni Servillo); Scalfari (Giulio Bosetti) Paulo Cirino ( Carlo Buccirosso); Sra Enea ( Piera Degli Esposti); Franco Evangelista ( Plavio Bucci)

El intercambio (2008)

2008-12-31T14:00:00.005+01:00

El Intercambio (2008)

Una estrella con hambre de Oscar. Un diseño de producción con un look retro. Una historia fuerte. Muy fuerte. Es una formula mil veces utilizada en Hollywood. Un ejemplo: Frances ( 1982) de Graene Clifford, con Jessica Lange

En este caso, El Intercambio (2008), viene avalada por un plus diferencial. Esta dirigida por Clint Eastwood. Un cineasta que ha logrado un estilo capaz de transmitir la mayor cantidad de emociones con el mínimo de elementos. Los puentes de Madison (1995) es una buena muestra. Algunos llaman a esto clasicismo.

El intercambio está lleno de momentos “Eastwood”. Señalemos algunos:

. El plano en el que el niño Collins se despide de su madre tras la ventana de su casa. Un leve travelling. Ningún subrayado, ni énfasis especial. Imagen nuclear que remite a Mystic River (2003 ), otra vez la infancia truncada por la crueldad de los adultos. Eastwood nos recuerda que no queda espacio para la inocencia.
· La primera secuencia en la estación del tren. Chistine Collins (Angelina Jolie) - rodeada de policías y reporteros- se mueve entre la ilusión por reencontrar a su hijo y el desconcierto posterior cuando comprueba que le han dado el “cambiazo”. Es la mejor secuencia de la actriz. El cambio de registro es sutil y mas difícil de interpretar que las grandes pasiones con mayúsculas ( Desesperación, Venganza, Odio, etc.).
· La secuencia en que Christine Collins habla con su hijo impostor en su dormitorio. El niño boca abajo-mudo- mientras se despliega el monologo de la madre, añade un elemento de inquietud que el film luego apenas desarrolla (con la sola mención al caballo de Tom Mix). ¿Quién es en realidad ese niño?
· La reacción del toda la gente que trabaja en la comisaría cuando en voz alta Christine Collins suelta que el niño impostor esta circuncidado y su hijo no. Un plano seco con todos levantando la cabeza sorprendidos. Desde ese momento saben que el capitán – antes o después- está condenado y empieza a encerrarse, aislado, en su despacho.
· El montaje en paralelo de dos interrogatorios de muy distinto cariz. El primero, entre el director del psiquiátrico y Christine Collins, un duelo psicológico lleno de tensión y quiebros. Muy bien dialogado e interpretado..El segundo, muy intenso también, entre el sobrino de Northcott y el policía Ybarra (¡Ay que talento el de los guionistas de Holywood para bautizar a sus personajes¡). Contiene la idea visual mas brillante de la película. El cigarrillo que se consume mientras el niño cuenta la atroz historia. La mitad de mi reino por saber si esta idea estaba ya en el guión original, en el storyboard o es de puesta en escena. Soberbia (y sobrecogedora) también la idea de separar las fotos de los niños desaparecidos – este sí. este no- como si fuera una colección de cromos.
· La segunda secuencia en la estación del tren. El rostro y la mirada del jefe Davis (Colm Feore) da tantos escalofríos como el Capitán Smith (James Cromwell) en L.A. Confidencial (1997).

Y así podríamos seguir. La película incluye multitud de detalles. La centralita de las telefonistas. El jefe de Chistine Collins rondándole. El film está, no podía ser menos en una película de un actor/director, muy bien interpretado. Los secundarios esplendidos. No sólo Jason Butler Harner dando juego al psicópata Northcott, muy alabado por la critica, sino todo el elenco. Mención especial- a mi juicio- para Michael Kelly como el policía Lexter Ybarra.

Dicho todo esto, la película no acaba de funcionar. La mezcla de géneros no esta bien empastada. Al drama de la madre coraje, le sigue el drama psiquiátrico, luego el del psicópata asesino, la trama judicial para acabar en un melodrama. Incluso un set – piece sobre la pena de muerte. El problema no es la mezcla del géneros sino la arquitectura del guión No hay mezcla sino continuidad que, además, alarga la película (141 minutos) hasta que el espectador acaba deseando que finalice.. Al final da la impresión de que el guionista no confiara en cual de las dos historias era más atractiva: la de la madre enfrentada a la corrupción policial en busca de su hijo raptado o la del asesino descuartizador perdido en la América profunda

A esto se debe añadir que el tono cromático tampoco contribuye a reforzar la dureza de la historia. Es precisamente en las secuencias del rancho cuando la película alcanza mayor intensidad. Incluso la huida de los tres niños en claroscuros tiene un tono mas acorde con el contenido del argumento.

En definitiva, El intercambio (2008) es una película en la que las partes son mejor que el todo. La historia requería una estructura y textura menos convencional y mas arriesgada. El problema no es que el andamiaje se vea, sino que sea demasiado pedestre.

Cint Eastwood no necesita revisar clásicos como Ford o Hawks. Basta con que vuelva sus ojos a sus primeras películas. Especialmente, En la cuerda floja (1984), una película ni dirigida por él, ni protagonizada por Harry Callahan, pero que lo parece. Wes Block ( Clint Eastwood) vagando por los tugurios de Nueva Orleans en busca de perdón y compasión. De allí que aguardemos Gran Torino – su próxima película, a punto de estrenarse- con grandes expectativas.

Director : Clint Eastwood

Guión: Michael Stracgynski

Montaje: Joel Cox

Fotografía: Tom Stern

Interpretes: Christine Collins ( Angelina Jolie), John Malkovich (Reverendo Briegleb), Lester Ybarra ( Michael Kelly), Capitán Jones ( Jeffrey Donovan), Jefe James Davis ( Colm Feroe), Gordon Northcott ( Jason Butler Harner

Souflé (2008)

2008-12-23T17:46:00.002+01:00

SOUFLÉ (2008)

Este comentario se ha gestado en el camino del coche a la oficina.

El cine es – en esencia- una historia contada con imágenes en movimiento. Historia silente o sonora. En blanco y negro ( o grises) o color. Historias de 45 segundos, de una hora y media o de 15 horas. En formato celuloide, video o digital. En soporte pantalla de cine, televisión, consola , ordenador o móvil. Hoy vemos mas cine que nunca. Y casi me atrevería a decir que mejor que nunca.

Así que a nadie debiera de extrañar que en este blog se abriera una sección dedicada a la publicidad. La clave del cineasta, en este caso - nunca mejor dicho- creativo, está en adaptar el mensaje al medio.

Nuestro personaje se dirige una vez mas a la misma fiesta- aburrida- de siempre. Entre el primer “por favor, Mark, te importaría pasarme el souflé” y la misma frase al final del anuncio, el protagonista ha tenido tiempo de imaginar lo que le hubiera gustado que fuera esta fiesta anual de navidad.

Lanzarle el mismo souflé a la cara a su compañero. Ver un strip-tease de su colega desnudándose encima de la mesa. Lanzarse en plena batalla campal pasteles y todo tipo de objetos entre los comensales.

Sin embargo, nuestro protagonista es guapo pero no transgresor, ni imaginativo. Es un convencional que al fin al cabo se dice “se bueno”. La única trasgresión que se permite es llegar tarde a la cena.

El anuncio es brillante pero tampoco trasgresor. El mejor plano es el de la llegada en coche a la casa donde se celebra la fiesta, cuando todos esperábamos algo mas turbio con la rubia quitándose el vestido. De alguna manera hay una contradicción. El anuncio se dirige a un “target” agresivo y atrevido y todo se queda en una pelea un tanto bobalicona y colegial.

Es también interesante comparar el anuncio de televisión con su visión ampliada. Esta última no añade nada. Explicativa y reiterativa. Justo lo contrario de lo que debe se r el buen cine.

El final es abierto. Así que esperamos que a nuestro protagonista le de un siroco de verdad. Ayudado por los personajes secundarios- su compañero y su partenaire de mesa- que si parecen que tienen algo que ocultar.

· Agencia: DDB Barcelona
· Marca: Volswagen Siroco
· Director creativo: Jose maría Roca de Viñals
· Director de cuenta: Gorka Lozano
· Producer: Vicky Moñino
· Productora : The Gang
· Productor : Sebastián Grosset
· Operador: Pablo Hernández
· Locutores: Roger Pera y Joan Guarch
· Música: Alejandro Pelayo. Tocata y fuga de J. S. Bach

La Ola (2008)

2008-12-11T18:00:00.006+01:00

He aquí buenas y malas noticias. El cine europeo recupera espectadores. Es una buena noticia. Lo hace con recursos que parecían exclusivos del cine norteamericano: una historia atractiva, acción, ritmo. Es también una buena noticia. Y lo hace al amparo de una de las películas - La Ola (2008) de Dennis Gansel- más tramposas de los últimos años. Es una mala noticia.
Antecedentes. La historia se basa en hechos reales acaecidos en 1967 en Palo Alto (California), Un profesor de historia. Ron Jones, realizó con sus estudiantes un experimento para explicarles cómo la barbarie nazi pudo instalarse en una sociedad aparentemente normal. El experimento tuvo que suspenderse al de pocos días ante la dinámica que fueron adquiriendo los acontecimientos, pero dio pie a una novela y un guión televisivo.
Dennis Gansel decidió adaptar esa historia y trasladarla a un instituto de la Alemania actual. Nunca asunto mejor traído.
El espectador entra ya abrumado a la sala de cine por una campaña de promoción muy bien urdida ( entre otras cosas con un trailer muy eficaz). Y la narración adquiere rápidamente buen ritmo. Las secuencias en el aula entre profesor y alumnos tienen una tensión creciente y están bien dialogadas. Las secuencias de acción cuando los alumnos ,ya hechos una piña, grafitean la ciudad están narradas con brío y responden a un montaje al que el espectador está muy acostumbrado. La música acompaña en todo momento. Según va avanzando la acción el espectador se posiciona, se rebela, participa. Al contrario que los estudiantes se resiste a la manipulación. Hasta aquí todo bien. Sin embargo, en este proceso, se le han tendido demasiadas trampas para que las dejemos pasar por alto. El espectador ha sido el gran manipulado.
Se presenta a un profesor Rainer Wenger ( interpretado con mucha convicción por Jurgen Vogel), vestido con camisetas de Los ramones y The Clash. Un profesor un poco vago- no se ha preparado las clases de prácticas -por lo que se le cambia la asignatura de anarquía, que era la que el quería dar, y para la que estaba preparado porque en su juventud había sido okupa (¡dale ya¡)- por el proyecto de autocracia- y se le enfrenta a otro profesor convencional, con corbata y que representa lo antiguo, lo carca. Conflicto que no vuelve aparecer mas que en clave de humor, para ridiculizar aún mas si cabe al viejo profesor.
Pero hay más. Mucho más. Aceptemos como una licencia que todo se desarrolla en una semana. Que la situación familiar de los adolescentes esté tratada con un excesivo brochazo. Que la adolescente rebelde se vea amenazada por un enemigo inexistente. Que al profesor se le presente como un pedagogo frustrado. Lo mas grave, a mi juicio, es que por ningún lado aparecen los mecanismos de control que se han dotado las sociedades modernas. ¿Dónde está el claustro de profesores? ¿los órganos de gestión del instituto?¿las asociaciones de padres? ¿las instituciones? ¿ y la policía?
La pregunta planteada por la campaña de promoción está así mal formulada. ¿creías que no se podía repetir?. La respuesta es: NO, SI FUNCIONAN LOS MECANISMOS DE CONTROL. Así que las preguntas correctas son : ¿Qué pasa cuando fallan los mecanismos de control? ¿Pueden fallar estos mecanismos? O aún mas relevante: ¿ Que hay en la condición humana que nos hace tan manipulables? ¿Por qué no podemos integrar en el sistema educativo la disciplina y el respeto como valores democráticos? Derroteros éstos algo mas difíciles de responder.
El film se cierra con un plano fijo del protagonista mirando asombrado al espectador. Asombrado por haber puesto en marcha un proceso que se le ha escapado de las manos, como le reprocha una de sus alumnas. Asombrado por haberle gustado- al fin y a cabo un simple profesor de gimnasia y pedagogo frustrado- el papel de furher . La puesta en escena refuerza este enfoque según avanza la película.
En cualquier caso hay que felicitarse. El cine europeo vuelve a tener éxito en la taquilla. El cine europeo necesita buena historias. Y ésta lo es. Ya nos ocuparemos entre todos de no aceptar guíones con más agujeros que un colador.

· Director: Dennis Gansel
· Interpretes: Jurgen Vogel ( Rainer Wenger), Frederik Lau (Tim), Max Riemelt (Marco), Jennifer Ulrich ( Karo)
· Guión: Dennis Gansel, Meter Thorwarth, basado en una novela de 1981 de Todd Strasser (seudónimo de Morton Rhue) y un guión televisivo de 1979 de Johnny Dawkins
· Fotografía: Torste Brewer
· Música: Heiko Maile

Gomorra (2008)

2008-12-09T12:45:00.004+01:00

No hace falta haber leído Gomorra (Editorial Debate) de Roberto Saviano para hacer un juicio sobre la película de Matteo Garrone. Hay cientos de películas que son adaptaciones de libros que no hemos leído. Y que no leeremos jamás. El mayor inconveniente es que impide comparar como dos autores tratan –ideológica y formalmente- un mismo asunto, a partir de medios expresivos distintos. La ventaja es que se puede juzgar la obra por si misma.
Gomorra (2008) habla de la influencia de la violencia organizada en la vida cotidiana de los ciudadanos de a pie. De la dificultad de escaparse de su influjo. Indirectamente trata de cómo estos mismos ciudadanos se sienten desprotegidos por las instituciones y la sociedad. Todos ellos -como vemos- temas mayores.
Para abordarlos Matteo Garrone utiliza un estilo directo. Estamos muy alejados de los personajes trágicos de Coppola o del mundo de Scorsese. No hay espacio para la identificación ni el mito. Estamos ante personajes que no tiene pasado. Ni futuro. El futuro es sólo para los que huyen.
Garrone recurre a técnicas mas parecidas al reportaje o al documental. Estamos más cerca del docudrama. Un Callejeros pero sin comentarios. ( Y- aquí sí- se echan de menos los comentarios. Una mirada ideológica. No vaya a confundirse la objetividad con la cobardía). La huída como única solución es un mensaje cuando menos equívoco.
Algo ha debido fallar en la operación cuando Gomorra – la película- es un éxito en las calles de Nápoles. Mientras Saviano -el novelista- tiene que huir amenazado. Garrone afirma que no juzga a los personajes. Pero desde los viejos tiempos de los primeros documentalistas se sabe que decidir donde se pone la cámara ya es un una opción ideológica.
Garrone no juzga a los personajes. Pero paradójicamente ellos si juzgan sus comportamientos. Y lo hacen en términos morales.. El adolescente Totó (Salvatore Abruzzese) se aleja llorando una vez que ha vendido a su victima. Sabe que ha hecho mal. Es el fin de la edad de la inocencia y su destino no será diferente del de sus compañeros. Nos hubiera gustado acompañarle en ese camino. El sastre Pasquale (Salvatore Cantalupo) huye de la ciudad para dedicarse a otra cosa. Roberto (Carmine Paternóster) decide que él no se puede dedicar a explotar y engañar a la gente.
Un artista, un intelectual, o un cineasta deben asumir su responsabilidad social y , de alguna manera, están obligados a tomar partido. No se necesita subrayados, ni énfasis, ni discursos. El artista puede -y debe- comprender y entender a sus personajes. Pero cuando la violencia -el chantaje. el miedo, la ausencia de principios- se instala en la sociedad todos somos en alguna medida culpables. Y es honesto hacer ese ejercicio de introspección y no lavarse las manos.
La película -no obstante- funciona. Matteo Garrone tiene talento. Dispone de buen oído para la música y no abusa del mismo. Resuelve escenas con precisión y logra momentos excelentes. Las interpretaciones son creíbles. La fotografía y localizaciones refuerzan la historia. La trama del sastre con la mafia china y los talleres clandestinos funciona a la perfección e incluso esas conversaciones en el capó del automóvil nos hacen sonreír por su inocencia. La historia de los dos jóvenes que imitan a Tony Montana es un buen hallazgo. Las historias de los seis personajes se siguen con interés. El puzzle encaja. Y reserva lo mejor para el final. La secuencia del sastre viendo por televisión como Scarlet Johanson lleva un vestido diseñado por él. Y el seguimiento cámara en mano de los dos chicos en la moto en la secuencia final
La película nos deja con las ganas de (h)ojear el libro. Muy probablemente sea mas valiente que el film. Garrone recibirá el oscar a la mejor película de habla no inglesa y Savione , después de los agasajos y las palmaditas de rigor, deberá volver a esconderse, Eso sí es cine negro, negro, como la vida misma

Director: Matteo Garrone
Guión: Mauricio Brauci, Ugo Chiti, Gianni di Gregorio, Matteo Garrone, Máximo Gaudioso, Roberto Saviano
Fotografia : Marco Onorato
Montaje : Marco Spoletini
Productor: Domenico Procacci
Producción: Fandango com Raí Cinema

Appoloosa (2008)

2008-12-04T15:40:00.011+01:00

Angel Fernandez Santos nos enseño que el western ha mutado en el cine contemporáneo en otros muchos géneros. Ponía como ejemplo peliculas como Enemigo a las puertas ( 2001), de Jean-Jacques Annaud, interpretada por Ed harris. Allí, como en el caso de la pelicula que nos ocupa ahora, el personaje interpretado por Harris tenía ciertas similitudes: sobriedad, respeto al adversario, marcado individualismo...

No nos debe extrañar pues que Harris haya tenido el deseo de dirigir ( y producir e interpreetar y participar en la redacción del guión) un western.

Appoloosa (2008) es una película compleja con un envoltorio sencíllo (género muy codificado, planificación clásica, una narración lineal). Sin embargo, es de esas peliculas que te hacen preguntarte por cuestiones importantes: ¿ qué cuenta la pelicula? ¿ cómo lo cuenta?

Appoloosa (2008) cuenta esencialmente la historia de una amistad. Una amistad forjada en muchas noches a la intemperie ( sin necesidad de ser gay). En algunos tiroteos con otros pistoleros. Una amistad basada en la confianza. Una amistad que no pueda quebrar una arribista. Como muy bien sabe el espectador y se encarga de adelantar el personaje interpretadao por Ariadna Gil ( Kattie)

Amistad que no necesita muchas palabras y sí mucha complicidad. Y que se acompaña de bastante humor, pero de ese humor que sólo saben compartir los que han vivido muchas vicisitudes juntos.

Pero Appoloosa cuenta muchas otras cosas. Historias de traición, de lealtades. Nos habla de la débil linea que separa entre estar al lado de la ley y el orden o fuera de él. Reflexiona sobre la importancia de la existencia de la ley y la justicia en una sociedad en construcción. Y todo ello, como nos gusta, contandonos historias. Durante los mas de 140 munutos que dura la película no pasan de suceder cosas. Incluso algunas cogidas con calzador: los indios, el pistolero antagonista (Ring Shelton interpretado por Lance Henrikse). Pero circunstancias que dan pie a escenas emocionantes ( la entrega del caballo a los indios o el tiroteo en Río Seco).

Appollosa nos ayuda pensar como se construye una pelicula. Reflexionar sobre cosas muy básicas: la estructura , la gramática y el punto de vista.

El espacio. Aquí el desierto. Un espacio de libertad pero hostil al mismo tiempo. Algo que se repite en muchas peliculas contemporáneas como Los tres entierros de Melquiades Estrada ( 2005) de Tommy Lee Jones o No es país para viejos ( 2007) de los hermanos Cohen. Un desierto muy bien fotografiado por Dean Semler sobre tonos tierra, azules, verdes y un fondo anaranjado. Y que se complementa con un buen diseño de producción y un muy cuidado vestuario, al servicio de los personajes y no del lucimiento del producto.

La gramatica. Planos fijos. Pocos travellings. Se trata de concentrarnos en lo importante y no distraernos con lo accesorio.

El punto de vista. Quizás el secreto de esta película. La historia narrada desde el punto de vista del personaje interpretado por Viggo Mortesen. Por eso sabemos todos que Virgil Cole ( Ed Harris) va a creer siempre antes a Everett Hitch (Viggo Mortensen) que a Allie French (Rnée Zewllweger). Por cierto, a mi juicio, uno de los pocos lunares negros de la pelicula.

En fin. una de las pocas peliculas recientes en que la voz en off esta utilizada plenamente justificada, al servicio de los que se cuenta y no como simple adorno.

Tras una muy buena primera secuencia en el rancho de Randal Bragg ( Jeremy Irons) en la que los personajes no saben como se van a comportar el resto de los protagonistas y que mantiene al espectador en tensión, la pelicula se abre con un plano con los dos personajes acercándose a Appoloosa para acabar cerrándose con Everett Hitch alenjándose sólo al final de la misma. Hermoso final para una excelente película.

Ficha técnica:

Director: Ed harris
Interpretes: Ed Harris ( Virgil Cole), Viggo Mortesen ( Everett Hitch), Rénee Zewellger (Allison French), Jeremy Irons ( Randal Bragg), Ariadna Gil ( Katie), Lance Henrikse ( Ring Shelton)
Guión: Ed Harris, Robert Knott
Fotografía. Dean Semler
Diseño Producción: Waldimar kalinowski
Vestuarío . David Robinson

Blade Runner (1982)

2008-12-02T20:01:00.004+01:00

Blade Runner, basada en el cuento de Philip K. Dick “Sueñan los androides con ovejas eléctricas” (1964) es mucho más que una película que se ve en el televisor o en el cine. Blade Runner es una experiencia vital que hay que vivir al menos una vez en la vida, usarla como fuente de inspiración, de reflexión o simplemente quedarse boquiabierto frente a su terrible y poética complejidad. Es la clásica película que nunca envejece, a pesar de que sus efectos digitales sean hoy primitivos, se puede ver una y otra vez. Veintiséis años después, sigue enamorando.
Como siempre ocurre con Scott, Ridley en este caso, la estética brilla, y es claramente un factor muy importante en la historia (la oscura y húmeda ciudad futurista de los ángeles, podrida hasta las entrañas), aunque sin llegar a quitar protagonismo a unos personajes tridimensionales con una compleja personalidad. Sean humanos, o sólo replicantes (androides).
Y aquí llegamos (o al menos llego, y aquí me quedo), al tema que más me interesa, Deckard, Harrison Ford, ¿es realmente un replicante? Mucha tinta ha corrido tratando de responder a esta pregunta. Yo conozco la respuesta (creo conocerla). Sí, Deckard es un replicante. ¿Por qué? Primero, tanto Scott como Ford así lo han reconocido, en el guión original la última escena había una voz en off que decía: "I knew it on the roof that night. We were brothers, Roy Batty and I!", Deckard se aferra a sus fotografías como los replicantes a las suyas, el sueño implantado del unicornio (que no apareció en la primera versión por exigencias de los productores) que se corresponde con el origami de Gaff (como sus dos otros origamis con sus estados de ánimo) dando a entender que tal vez Gaff sea el Blade Runner original, Brian (el jefe de policía) advierte a Deckar de que si no ejerce de policía difícilmente ejercería de otra cosa (como los replicantes, que tienen una función específica, en el caso de Deckard, ser policía), tiene el mismo brillo anaranjado en los ojos que el resto de los replicantes, Roy conoce el nombre de Deckard sin habérselo dicho nadie (¿serían compañeros?) y le pide que le muestre de qué está hecho.
Aunque es cierto, sufre dolor, y, sobre todo, en el cuento no lo es. Mi opinión es que sí, si es un replicante, así se escribió el guión, y así se rodó la película, aunque Harrison Ford se opusiera.

Simplemente, no sólo recomendar, sino exigir a toda persona que no la haya visto (¡Qué demonios, o que la haya visto hace mucho tiempo!) que la vea. Serán algo más de dos horas sin duda bien aprovechadas.

Quantum of Solace (2008)

2008-12-02T15:04:00.008+01:00

La saga de Bond tiene que reinventarse cada cierto tiempo. Unas veces toca más humor. Otras más sexo (nunca mucho). Y ahora es el momento de darle hondura trágica al personaje. Son los nuevos tiempos. Tiempos de Jason Bourne.

Esta operación de marketing requiere ciertos mimbres. Un guionista que repite- Paul Haggis- y que ya nos había regalado esplendidos diálogos en Casino Royale. Un director de prestigio, Marc Foster. Un actor - Daniel Craig- que transmite intensidad en todo lo que hace. Roger Moore y Pierce Brosman daban siempre la sensación de que pasaban por allí. Marcaban demasiada distancia con lo que ocurría. Por último, un director de segunda unidad- Dan Bradley- que había sido el responsabñe - ¡ay¡- de las dos últimas entregas de Bourne.

Todo ello aderezado -como no podía ser menos- de una gran campaña de promoción. Sin embargo, el resultado no responde a las expectativas. Veamos.

El guión apuesta por la línea de menor resistencia. La sed de venganza. (Por cierto, un acierto el título procedente del cuento de Fleming - ambiguo y misterioso- y gracias por no traducirlo en su versión española). Rehuye aspectos más atractivos pero más dificiles. El ansia de conocer. De saber la verdad. La sombra de una duda: la traición. De todas las maneras si hubieramos querido coger la línea argumental de la venganza había un antecedente reciente que podía servir de referencia. El fuego de la venganza (Man of fire, 2004) de Tony Scott. Seguramnete da pánico perder el "target" del publico infantil y adolescente. Los productores (Michael Wilson y Barbara Broccoli) han decidido no asumir -a fin de cuentas-los riesgos de hacerse adulto.

La película funciona en las distancias cortas. Por ejemplo, la relación entre Bond (Daniel Craig ) y Mathis (Giancorlo Giannini). Una relacion de amistad sin necesidad de dar demasiadas explicaciones. Cargarse al personaje de Mathis es una decisión que igual los responsables de la franquicia acaban por lamentar. También funciona muy bien la relación con M ( Judi Dench). Da equilibrio al personaje y represennta una réplica adulta. Ventajas de contar con un gran actriz. A mi juicio, es una pena que no se haya explorado más la relación con Camille (Olga Kurylenko), A pesar de los palos de la crítica, se trata una mujer rocosa pero vulnerable, algo que la actriz transmite. Mucho más atractivo como personaje que Strawbewrry Fields (Gemma Artenton) que no aporta nada a la acción.

Y hablando de acción. Aquí es donde patina la pelicula. La secuencia inicial con algunas inconsistencia de raccord da alas al espectador a pensar que aquí todo vale. La secuencia de los tejados de Siena -además de suponer una imitación/homenaje del último Bourne- no responde a ninguna necesidad expresiva del film. Algo que allí si ocurría. La secuencia de la ópera. Bien resuelta de ritmo y montaje genera unas expectativas- la existencia de una conspiración a nivel mundial- luego frustadas. Lo mismo ocurre con la secuencia final Un "malo" de opereta (el general boliviano) y otro villano que se deja coger a las primeras de cambio en en mitad del desierto. Los malvados para ser atractivos deben tirar a los tiburones a la "chica " de la película a pesar de que la quieren. Aquí no hay nada de esto. Mathieu Amilric repite el personaje de "Munich", sin ser consciente de que aquí es el jefe.

Quizas nos encontremos ante una pelicula de transición hacia la ultima parte de la trilogía. pero mucho deben cambiar las cosas para que ésta no vuelva a defraudarnos.

Ficha técnica:

Director: Marc Foster
Guón: Robert Wade, Neal Purvis y Paul Haggis
Interpretes: James Bond ( Daniel Craig), M (Judi Dench). Camille (Olga Kurylenko), Mr. White ( Jesper Chistensen), Dominic Greene (Mathieu Amilric). Mathis ( Giancarlo Giannini)
Director segunda unidad: Dan Bradley
Productores: Barbara Broccoli y Michael Wilson

Sólo Quiero Caminar (2008)

2008-11-26T19:25:00.005+01:00

Agustín Díaz Yanes tiene nuestro crédito. Dirigió una excelente "Nadie hablará de nosotras..." (1995). Naufragó con "Sin noticias de Dios" (2001). Salvó (malamente) los muebles con "Alatriste" (2006). Y acaba de presentar una emocionate "Sólo quiero caminar" (2008).

Diaz Yanes es un cineasta profundo pero no aburre. Sus pernonajes viven intensamente aunque son conscientes que no pueden cambiar su destino. Lo asumen con dignidad.

A Díaz Yanes se le nota- para bien - su oficio de guionista. Muy brillante la secuencia final cuando Gabriel (Diego Luna) le devuelve la foto a Aurora (Ariadna Gil) que cree son de sus padres. Se dice mucho del personaje sin explicar nada. De guionista experto también el recurso del cuento del hijo de Gloria (Victoria Abril), que hace avanzar la acción y la relación entre los personajes. Eficaz, aunque más facilón, el recurso de Paloma (López de Ayala) vestida de colegiala.

Diaz Yanes es de los que probablemente piense que no sólo el travelling es una cuestión de moral. También lo puede ser el plano - contraplano. Vease la emocionante secuencia final cuando Gabriel le pide a Aurora que se aleje para verla caminar por última vez. Ariadna Gil y Diego Luna esplendidos los dos. Paradójicamente, en una película de mujeres, el personaje mejor dibujado es el de Gabriel (Diego Luna).

A la pelicula se le puede perdonar un cierto confusuonismo en las escenas del robo. Se agradece de todas formas la utilización para estas secuencias de material cinematográfico noble: montaje, ritmo, planificación. No hace falta siempre recurrir al efecto Rufufú. Algo tan habitual del cine español.

Las localizaciones de Mexico nada costumbristas ayudan a crear emoción y ambiente. Especialmente conseguidas - a mi juicio- los apartamentos donde vive el profesor del hijo de Gloria. De nuevo se dice mucho del modo de vida de la clase media mejicana sin necesidad de subrayar nada.

Mexico se les da bien a los cineastas españoles aunque no reciban el aplauso del público ni de la crítica. Estoy pensando en Perdita Durango (1997) de Alex de la Iglesia y Río Abajo (1984) de Jóse Luis Borau.

Ficha Técnica

Director: Agustín Díaz Yanes
Guión: Agustín Díaz Yanes
Interpretes: Diego Luna (Gabriel), Vistoria Abril (Gloria), Ariadna Gil (Aurora), Jose María Yazpik ( Félix) Pilar López de Ayala (Paloma), Elena Anaya ( Ana)

Quemar después de leer (2008)

2008-11-24T17:06:00.003+01:00

Hilarante comedia de los hermanos Coen, al más puro estilo de "El Gran Lebowski" o de "Fargo". Partiendo de una situación banal, un entrenador de gimnasio (genial Brad Pitt) que encuentra un CD, y un ex-agente de la C.I.A. (Malkovich) que escribe sus memorias entre copa y copa, nos demuestran la estupidez del género humano en general, la banalidad de la existencia. Los personajes toman decisiones estúpidas que creen las más logicas para situaciones de lo más extravagantes (¡Los Rusos!) y te quedas con la misma cara que el jefe de la C.I.A. (Simmons) cuando tratan de explicarle lo que está sucediendo, y que como en "El Gran Lebowski", no tiene ningún sentido.

Carcajada asegurada a lo largo de todo del metraje. Es una loca comedia, una sátira total. Podríamos incluso decir que es una tonta comedia de humor inteligente.
Al más puro estilo Borau, una frase puede popularizarse gracias a esta película: "Vuelve cuando todo esto tenga sentido." Yo al menos empezaré a utilizarla.

Hora y media de puro entretenimiento, la recomiendo vivamente a todo aquel que no la haya visto.

Los hermanos Coen nos están malacostumbrando, porque incluso sus peores películas son buenas. Gracias a Dios. Tal vez con alguna película futura nos decepcionen, pero aún no ha llegado.

Ficha técnica:

Director: Ethan Coen, Joel Coen
Intérpretes: Brad Pitt, George Clooney, John Malkovich, Tilda Swinton, Frances McDormand, J.K. Simmons, Richard Jenkins
Guión: Ethan Coen, Joel Coen

Red de mentiras (2008)

2008-11-19T18:03:00.008+01:00

Con Ridley Scott tengo un prejuicio y una sensación. El prejuicio es que nunca ha dejado de ser un publicista. La sensación es que, en muchas ocasiones, intenta darnos gato por liebre. Veamos.

El publicista. En las peliculas de Ridley Scott suele primar el efecto sobre el conflicto. El montaje y el look sobre la planificación y la puesta en escena. Los personajes de Red de mentiras ni tienen ni -sobre todo - se les intuye pasado. El personaje de Russell Crowe, ¿donde estudió? ¿se casó con su primera novia del instituto? ¿de qué club de basket es fan? ¿está gordo porque es un burócrata sedentario o porque no le gusta hacer deporte? El mejor momento en este sentido es cuando su mujer le reprocha que esta trabajando a las tres de la madrugada y él le responde sin pestañear que esta salvando la civilización occidental. En el fondo es ridículo que aparezca con veinte kilos de mas y más riduculo aún que esté dando instrucciones vía satélite para invadir cualquier aldea de oriente medio mientras ayuda a su niño a hacer pipí.

El personaje de Leonardo di Caprio no le va a la zaga en este aspecto. Sobre todo cuando nos enteramos que se ha decidido suprimir todas las escenas rodadas sobre su divorcio con su mujer que vive en EE.UU. Algo debía intuir Ridley Scoott para pensar que esa parte de su pasado no ayudaba a comprender el personaje. Resultado: un personaje plano que se parece mas a James Bond que a Bourne.

No digamos nada de "la novia" de Leonardo di Caprio. Simplemente vomitibo que para enfatizar la bondad del personaje nos la presente ayudando en un campo de refugiados palestinos. Una buena idea, la secuencia cuando Di Caprio va a visitar a su familia, se malogra por la insistencia de su hermana en reprocharle la presencia americana en su país. Hay que recordarle a Ridley Scoot que las cosas bastan con decirlas una sóla vez, Y que a veces una mirada y un gesto son mas expresivos que un discurso.

Parece que hay una necesidad imperiosa por mostrarnos al protegonista-estrella ser objeto de las torturas mas atrozes . Puestos reconozco que prefiero la réplica de James Bond (Daniel Craig) pidiendo a su torturador que les rasque porque le pica mientras le está machacando las "partes".

Por cierto esta logrado el personaje del jefe de espias jordano intepretado por Mark Strong. Es un canalla con pasado pero que no dejara abandonado a sus amigos. Se intuye desde su primera aparición sin necesidad que se diga esta boca es mía.

La película, sin embargo, tiene hallazgos, el plano aéreo de Leonardo di Caprio rodeado de monuvolumenes en pleno desierto que lanzan una nube de arena que impedirá su seguimiento posterior es excelente. Las secuencias de los mercados estan en linea con lo mejor de Ridley Scoott. Se masca el polvo y la sequedad del ambiente. Recuerda a Blak Hawk Derribado, otra pelicula donde primaba el ambiente y la atmosfera sobre los personajes (inexistentes). El desierto y sus aldeas perfectamente captados, como no podía ser menos viniendo de alguién que domina los diseños de producción.

Ficha técnica:

Director: Ridey Scoott
Guión: William Monahan, Steve Zaillan ( no acreditado)
Interpretes: Leonardo di Caprio, Russell Crowe, Mark Strong, Carice van Houte

Arma Fatal (Hot Fuzz) 2007

2008-11-17T13:39:00.007+01:00

Es esta una película que no solamente disfrutan aquellos que disfrutaron con la anterior película de los mismos hombres, “Zombies Party” (“Shaun of the Dead”), sino todo buen aficionado al cine. Es una película de humor irreverente que te hace reír a cada fotograma, pero no por ello merece el menosprecio de la crítica, pues no consigue la risa fácil, sino elaborada. Opino que es una de las películas más divertidas de los últimos años, y pese a que es un humor irreverente, no llega a resultar ridículo como otras.
Tiene además el aliciente de los cameos, pues aparecen en la película muchos de los actores británicos más reconocidos, Martin Freeman, Steve Coogan o Hill Nighy, tres actores que provocan la carcajada con su simple presencia.
Tanto el guión como el montaje son excelentes. A pesar de que la historia pueda parecer simple a primera vista (un policía excelente que es trasladado al pueblo con menor índice de criminalidad en el que suceden muchas cosas extrañas), el guión resulta muy elaborado, e incluso las referencias a películas como “Dos policías rebeldes 2” o “Le llaman Bodhi” que en un principio pueden parecen un simple elemento humorístico tienen su razón de ser. Además el montaje es trepidante y consigue dotar a la película de un ritmo magistral.
Si sois fans de Simon Pegg o de Edgar Wright probablemente ya habréis visto la película, pero que no falte, ¡volved a verla! Y a los que no conozcan a estos dos genios del humor británico, lo mismo digo. Es una película divertida, con entretenidas escenas de acción para aquellos que prefieran extasiarse con dosis inverosímiles de adrenalina, dotada de un humor irreverente, inteligente y, digámoslo claramente, un poco freaky (siendo eso, por mi parte al menos, un gran halago).

Ficha técnica:

Dirección: Edgar Wright
Guión: Simon Pegg, Edgar Wright
Reparto: Simon Pegg, Nick Frost.

Vicky Cristina Barcelona 2008

2008-11-12T16:19:00.006+01:00

El otro día fui a ver la última película de Woody Allen, Vicky Cristina Barcelona VOS, a un bonito cine del centro de la ciudad, el "Utopia", y si doy hasta el nombre del cine es porque su arquitectura me gustó más que la propia película. He de reconocer que el cine es espectacular, una antigua iglesia reformada, una "cucada".

Pero volviendo a la película, fui a verla consciente de que no sería una obra comparable a Annie Hall, Manhatan, o incluso la más reciente y también desternillante Scoop, pero viendo la filmografía del director, imaginé que sería una película más que aceptable y entretenida. Menudo fiasco.

"Cuando comencé a escribir el guión, no pensaba en otra cosa que no fuera crear una historia en la que Barcelona fuera un personaje más", comenta Allen. Y, realmente, lo consigue, Barcelona es un personaje mas, mal tratado, estereotipado y al que se le ha sacado poco provecho, pero un personaje al fin y al cabo. Como también ocurre con los personajes de Juan Antonio y María Elena que se salvan por la impecable interpretación de un buen Javier Bardem y una impecable Penélope Cruz. También impecable es la actuación de Rebecca Hall y vemos una Scarlett Johansson que en ciertas escenas (la vuelta en avión de un fin de semana en un pueblo llamado OVIEDO) recuerda sospechosamente a la actuación habitual del director, Woody Allen, que ya la ha dirigido antes en Mach Point o en la ya nombrada Scoop.

Hay quien dice de Vicky Cristina Barcelona que es una película hecha por un turista para los turistas, y puede que tenga razón. En cualquier caso no consigue hacer con Barcelona lo mismo que hizo con Manhatan. Es una película llena de clichés turísticos sobre la ciudad condal y sobre la vida los artistas bohemios, ¿o de todos los barceloneses?

Lo más destacable, las escenas entre Scarlett Johansson hablando inglés y Penélope Cruz gritando en castellano mientras Bardem trata de tranquilizarlas.

Ficha técnica:

Dirección: Woody Allen
Guion: Woody Allen
Fotografía: Javier Aguirresarbe

Reparto: Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Javier Bardem, Penélope Cruz